El arte después de la Revolución Mexicana: La Ruptura y el arte contemporáneo

El arte después de la Revolución Mexicana: La Ruptura y el arte contemporáneo

Aprenda como distintos movimientos artísticos, tales como la abstracción y el arte conceptual, forjaron al arte mexicano más allá de los muralistas, desde la década de los 50s hasta el día de hoy.

 

Secciones:

  • El Muralismo Mexicano en el Mundo

  • El Taller de Gráfica Popular

  • La Cortina del Nopal y la Generación de la Ruptura

  • El Arte Mexicano desde 1968




A. El Muralismo Mexicano en el Mundo

 

El Muralismo, como movimiento artístico, tuvo éxito fuera de las fronteras de México y se extendió a otras partes del continente americano.. Algunos muralistas mexicanos reconocidos, tales como Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, viajaron al extranjero para crear murales. Rivera vivió en los Estados Unidos entre 1930-34 y tuvo una exhibición muy importante en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Asimismo, Orozco y Siqueiros recibieron comisiones para pintar murales en el estado de California. La influencia de los muralistas mexicanos ayudó a crear un puente artístico entre México y los Estados Unidos. Asimismo, muchos artistas estadounidenses se trasladaron a México para estudiar el arte que ahí se creaba. Gracias a este intercambio cultural y artístico, muchas puertas fueron abiertas para que varios artistas mexicanos trabajaran en los Estados Unidos. El apogeo del Muralismo mexicano sucedió entre las décadas de 1920 y 1940. El Muralismo mexicano tuvo una gran influencia sobre muchos otros movimientos artísticos posteriores, tales como ¿?



B. El Taller de Gráfica Popular

 

El Muralismo mexicano tuvo una gran influencia en el artista Pablo O’Higgins, oriundo de Salt Lake City, Utah. En 1924, O’Higgins se trasladó a México para trabajar junto a Diego Rivera y vivió allí por el resto de su vida. Además de ser un reconocido muralista, O’Higgins fue, junto con Leopoldo Méndez, Raúl Anguiano y Luis Arsenal, co-fundador del Taller de Gráfica Popular, un grupo de artistas que utilizaron el grabado para crear arte con un enfoque en la justicia social. Después  del Muralismo, el grabado fue uno de los  movimientos artísticos más importantes en México.  El Taller de Gráfica Popular fue enormemente influenciado por las ideas artísticas de los muralistas mexicanos.  La declaración del Taller de Gráfica Popular explica la importancia de “realizar un esfuerzo constante para que su producción beneficie los intereses progresistas y democráticos del pueblo mexicano.” Los problemas sociales y políticos, así como la justicia social y la educación populista, fueron alguno de los temas  que los integrantes del Taller de Gráfica Popular reflejaron a través de sus obras. Sus carteles, ilustraciones e impresiones criticaban el abuso y la explotación de los campesinos y de la gente pobre, así como el imperialismo estadounidense, el fascismo europeo y otras problemas sociales de la época. Tal y como lo logró el Muralismo, la obra del Taller de Gráfica Popular se extendió más allá de las fronteras nacionales para llegar a otras partes del mundo.



  1. Pablo O’Higgins, “Buenos Vecinos, Buenos Amigos”, 1944

 

 


* Invite a sus estudiantes observar la imagen. Comienze una discusión.

 

Preguntas sugeridas:

 

  • ¿Cómo describiría esta litografía por Pablo O’Higgins?

  • ¿Cuál es el mensaje de esta litografía?

  • ¿Cómo es este trabajo relevante para nosotros hoy?

 



C. La Cortina del Nopal y la Generación de la Ruptura

 

Tras la Revolución Mexicana, el arte con temática política y social dominó la escena artística en México por varias décadas. En la década de1950, muchos artistas mexicanos comenzar a alejarse de esta temática, la cual era promovida por los muralistas. En esa misma década, se popularizó el arte experimental, el cual tomaba como inspiración en varias tendencias internacionales del arte  contemporáneo. José Luis Cuevas, uno de los artistas mexicanos de este periodo, se promulgó en contra del arte muralista. En 1956, Cuevas publicó un manifiesto denominado “La Cortina del Nopal”, el cual criticaba el gobierno mexicano por continuar apoyando al muralismo mexicano e ignorar a los artistas que crearan obras que no fueran de un índole político, nacionalista o social. Para Cuevas, el gobierno mexicano, y los artistas patrocinados por este mismo, limitaban el futuro creativo de México.. Él sentía que muchos artistas mexicanos de vanguardia, buscando encontrar éxito en su país, renunciaban a su propio estilo y creatividad y adoptaban siempre la temática muralista. Cuevas denominó alegóricamente a esta barrera como “La Cortina de Nopal”. Cuevas concluye su manifiesto con la idea de que arte mexicano podía progresar siempre y cuando existiera una manera en la cual los artistas de vanguardia tuvieran mejores oportunidades en su propio país de reflejar cambios y conectarse a la escena artística global.



2. Renacimiento, Gustavo Arias Murueta, 1960s





* Invite a sus estudiantes observar la imagen. Comience una discusión.

 

Preguntas sugeridas:

 

  • ¿Cómo describiría esta pintura?

  • ¿Cómo se diferencia esta pintura a la obra los muralistas mexicanos?  

  • ¿Qué es lo que el artista intenta de expresar a través de esta?  

 

3. Torres de Satélite, Mathias Goeritz, Luis Barragán y “Chucho” Reyes Ferreira,1958

 

 

* Invite a sus estudiantes observar la imagen. Comience una discusión.

 

Preguntas sugeridas:

 

  • ¿Cómo describiría estas esculturas?

  • ¿En qué manera son estas esculturas una reflexión de las tendencias artísticas de México durante esta época?

  • ¿Podría comparar las Torres de Satélite con el arte político y social de los artistas mexicanos que se manifestó en décadas anteriores?

 

Las Torres de Satélite fueron creadas por el escultor Mathias Goeritz, el arquitecto Luis Barragán y el pintor “Chucho” Reyes Ferreira. Estas esculturas se encuentran en Ciudad Satélite, al norte de la Ciudad de México.



D. El Arte Mexicano desde 1968

 

Gracias a la Generación de la Ruptura, el arte mexicano tuvo la posibilidad de  utilizar diferentes técnicas y varios estilos. Muchos artistas mexicanos contemporáneos buscan inspiración y trabajan dentro y fuera del país.  

 

Gabriel Orozco es uno de los artistas contemporáneos mexicanos más reconocidos a nivel mundial.

 

Orozco es oriundo del estado de Veracruz, México. Su padre era muralista y profesor de arte en la Universidad de Veracruz. A los seis años la familia de Orozco se trasladó al vecindario de San Ángel en la Ciudad de México, lugar en el cual su padre trabajó en varios proyectos junto al renombrado muralista David Alfaro Siqueiros.

 

El padre de Orozco introdujo en el joven artista al mundo artístico de México y desde muy temprana edad estuvo expuesto a conversaciones y discusiones sobre el arte y la política de México. Orozco estudió arte la Escuela Nacional de Artes Plásticas de México desde 1981 hasta el 1984. En 1986, Orozco se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en el Círculo de Bellas Artes.

Fue en España donde Orozco estuvo expuesto a la obra de artistas que utilizan arte en estilos y formatos considerados como no tradicionales. Orozco refleja su estadía en España de la siguiente manera:

 

“ Yo vengo de una familia muy progresista. El viajar a España y enfrentar una sociedad muy conservadora que también buscaba ser vanguardista en la década de 1980, pero que me trataba como un inmigrante, fue una experiencia que me impactó. Ese sentimiento de vulnerabilidad fue muy importante para poder desarrollar mi trabajo. Pienso que muchos de los temas que explora mi arte tienen que ver con el sentimiento de estar expuesto, ser vulnerable y convertir estos sentimientos en tu propia fuerza.”

( Traducción al español de la cita original “ I came from a background that was very progressive. And then to travel to Spain and confront a very conservative society that also wanted to be very avant-garde in the 1980s, but treated me as an immigrant, was shocking. That feeling of vulnerability was really important for developing my work. I think a lot of my work has to do with that kind of exposure, to expose vulnerability and make that your strength.”)



Orozco regresó a la Ciudad de México en 1987 y comenzó a organizar reuniones semanales con otros artistas tales como Damián Ortega, Gabriel Kuri, Abraham Cruvillegas y Dr. Lakra. Este grupo de artistas se reunió para trabajar conjuntamente una vez por semana durante cinco años. El hogar de Orozco se convirtió en un lugar de creación artística y proyectos culturales.

 

4. Gabriel Orozco, Empty Shoe Box, 1993


















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Preguntas sugeridas:

 

  • ¿Qué piensa sobre esta obra de arte por Orozco?

  • ¿Considera que esta caja de zapatos es una obra de arte?

  • ¿Cuál es el significado de esta obra?

 

Orozco fue invitado en 1993 a participar en el Bienal de Venecia, una de las muestras de arte más importantes del mundo que se organiza cada dos años en dicha ciudad italiana. En dicha muestra, Orozco colocó una caja de zapatos vacía en el piso de la galería. Orozco presentó esta obra para crear conciencia entre los espectadores sobre sus alrededores. Al colocar una pieza tan familiar en un espacio vacío, Orozco crea conciencia alrededor de la idea de lo que existe y lo que no existe en dicho espacio.

5. Dr. Lakra,Sin título / Untitled (Pedro Infante)

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Preguntas sugeridas:

  • ¿Reconoce al hombre en la foto?

  • ¿ Qué observa en la cara de Pedro Infante?

  • ¿ Reconoce los diseños en la cara de Infante?

 

Dr. Lakra es un artista y tatuador contemporáneo de Gabriel Orozco. Su obra se distingue por utilizar el diseño del tatuaje en imágenes antiguas, ilustraciones u objetos, como muñecas. Entre las imágenes más utilizadas por el artista se encuentran los luchadores profesionales, imágenes antiguas de empresarios mexicanos o aquellas con un estilo “pin-up”. El arte de Dr. Lakra está inspirado por las tradiciones del arte corporal de culturas latinoamericanas, de las islas del pacífico y el sudeste de Asia.

 

6. Daniela Rossell, Ricas y Famosas (Serie), 1994-2001




















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Preguntas sugeridas:

  • ¿Cómo describiría estas fotografías por la artista Daniela Rossell?

  • ¿Qué elementos en estas fotos encuentra interesantes?

  • ¿Qué similitudes observa en estas dos imágenes?

 

Daniela Rossell es oriunda de la Ciudad de México. Su madre era coleccionista de arte, por lo cual,  desde muy temprana edad, estuvo expuesta a las artes. Rossell comenzó sus estudios en el mundo del teatro. Tras desempeñarse como actriz en México, Rosell estudió pintura en la Escuela Nacional de Artes Visuales, pero eventualmente dejó la pintura por la fotografía.

 

Rosell creció en una familia adinerada y es su propia experiencia la que la inspiró a crear arte. Su fotografía, a diferencia de muchos fotógrafos mexicanos tales como Tina Modotti o Lola Álvarez Bravo, no representa a la clase baja de México, sino a la minoría adinerada del país, lo cual ha sido cause de fuertes críticas.

 

Imágenes sugeridas:

 

7. Volchol, Pieza por varios artistas Mexicanos (presentada durante la Feria de Arte Contemporáneo de la Ciudad de México), 2011




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Preguntas sugeridas:

 

  • ¿Por qué estos artistas han convertido este automóvil en una pieza de arte?

  • ¿Considera este automóvil una obra de arte?

  • ¿Qué tipo de diseños han utilizado estos artistas para decorar el automóvil?

  • ¿Qué nos dice esta obra acerca sobre el arte mexicano contemporáneo?

 

8. Tire Art, Betsabée Romero



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Preguntas sugeridas:

  • ¿Considera que esta pieza es una obra de arte?

  • ¿Cuál es su opinión sobre los artistas contemporáneos que utilizan objetos de uso cotidiano en su obra?

  • ¿Cuál piensa qué es el significado de esta obra?

 

Betsabée Romero utiliza llantas de camiones para crear arte. Los tallados en las llantas también sirven como estampas.




Actividad sugerida:

 

Invite a sus estudiantes a crear una obra de arte contemporáneo. Provea diferentes materiales, ambos tradicionales y no tradicionales. Utilizando el arte de Dr. Lakra como inspiración, sus estudiantes pueden recortar fotos de revistas y dibujar diseños sobre las imágenes que encuentran.  También se sugiere utilizar papas y cortarlas por la mitad. Sus estudiantes pueden tallar diseños sobre las papas y así convertirlas en estampas, semejantes a la obra de Betsabée Romero.

 

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